Las 10 de Fotogramas en filmin: Festival de Cannes

1. "Amor" de Michael Haneke (2012)

por Sergi Rodríguez.

Vivo entre dos realidades que me alejan de según qué films: ser padre de un niño de 6 años e hijo de unos padres a los que muchos calificarían de ancianos (aunque no ejercen como tales). Por cosas de la autoprotección, suelo eliminar de mi lista de deberes aquellas cintas en las que criaturas o abuelos sufren. Sólo Haneke consiguió que rompiese mi norma: aunque me preparé a fondo para la contienda emocional repitiéndome como un mantra que lo que iba a ver sólo era una película, el maestro austriaco consiguió llevarme al sollozo incontenible sin efectuar ningún truco de prestidigitación barato. En Amor no hay trampa ni cartón, sólo Riva y Trintignant, y en eso radica la belleza y la brutalidad de la propuesta: Haneke se limita a poner la cámara en el ángulo exacto que capta a partes iguales la ternura infinita y la tragedia inevitable, la degradación denigrante y la compasión ilimitada. Eso es amor, lo demás sólo son canciones pop.

Palma de Oro en Cannes 2012

2. "Fish Tank" de Andrea Arnold (2009)

por Carlos Alonso.

Siempre me ha apasionado el subgénero de niños o adolescentes rebeldes en el cine.  Quizás porque yo siempre fui un chaval sin mala leche, me interesan más las historias de esos chicos y chicas inadaptados, que se enfrentan a sus progenitores y que viven en un entorno carente de esperanza. En mi top 10 de jóvenes conflictivos está Mía, la protagonista de ‘Fish Tank’, interpretada con una veracidad inusual por la amateur Katie Jervis. Una joven, huérfana de padre, incomprendida, y con una madre que mantiene una relación,sobre todo sexual, con un desconocido (un Michael Fassbender a las puertas del estrellato) del que sentirá una especie de atracción y rechazo. Un film de corte realista dirigido por Andrea Arnold que gustará a los fans del mejor cine de Ken Loach o Mike Leigh .

Premio Especial del Jurado en Cannes 2009

3. "Pulp Fiction" de Quentin Tarantino (1994)

por Àlex Montoya.

Dos años después de sorprender a propios y extraños con su debut tras las cámaras, ‘Reservoir Dogs’ (1992), Quentin Tarantino demostró que lo suyo no era flor de un día y se sacó de la chistera la que, a día de hoy y con una excelente filmografía a sus espaldas, sigue siendo su obra más redonda. Revolucionaria en las formas (el cineasta dividía la compleja trama que escribió en siete capítulos que encajaban como un guante, en una estructura falsamente circular y cronológicamente desordenada) y gamberra en el fondo (ahí volcaba mucho del cine y la literatura barata que había devorado como si de una Royale con queso se tratara), ‘Pulp Fiction’ es una obra maestra sin grietas, cuya perfección conectó, además, con los gustos más populares, consiguiendo que el espectador llevara a su inconsciente personajes y diálogos (del “caballeros, no nos comamos las pollas todavía” del Señor Lobo, al salmo que entona un escalofriante Samuel L. Jackson), coleccionara su banda sonora y aplaudiera la resurrección artística de John Travolta. Un clásico moderno al que el paso del tiempo no ha hecho más que revalorizar tras uno, y otro, y mil, visionados.

Palma de Oro en Cannes 1994

4. "La doble vida de Verónica" de Krzysztof Kieslowski (1991)

por Álex Gil.

Recuerdo perfectamente el día que murió Kieslowski. Nos quedamos tristes. Habíamos visto y analizado con todo detalle su trilogía ‘Azul’, ‘Blanco’ y ‘Rojo’. Y nos había entusiasmado ‘La doble vida de Verónica’. En ella Kieslowski juega con la idea del doble, llevándola al extremo. Una Verónica polaca, que canta como los ángeles. Una Verónica francesa, que abandona la música. Sin nada en común y con todo en común. Las dos sienten que no están solas. El director varsovita realiza su habitual reflexión sobre la condición humana, con la muerte siempre en el horizonte. El descubrimiento de Irène Jacob (su brillante interpretación como doble protagonista fue merecedora del premio en Cannes), los tonos elegidos para ocasión y la música de Zbignew Presiner otorgan al conjunto de una gran fuerza. Una película abierta que deja que el espectador cierre la historia o simplemente se maraville ante su belleza estética y poética.

Mejor Actriz (Irène Jacob), Premio FIPRESCI y Premio del Jurado Ecuménico en 1991.

5. "Roma, ciudad abierta" de Roberto Rossellini (1945)

por Juan Pando.

Nunca he podido ver ‘Roma, ciudad abierta’ sin conmoverme. Según avanza su metraje, se me va haciendo un nudo en el estómago hasta que, al llegar a la famosa secuencia de Pina (una soberbia Anna Magnani) corriendo tras el camión hacia su destino fatal, se me escapan inevitablemente las lágrimas, que reaparecen en los momentos finales, protagonizados por Don Pietro (maravilloso Aldo Fabrizi). Han pasado casi setenta años desde se rodaron estas historias cruzadas de gentes corrientes (y conmovedores niños) que se ven obligados a ser héroes en la Roma ocupada por los nazis, pero las emociones y la verdad que transmiten se mantienen tan vivas como entonces. Las imágenes de Rossellini trascienden al tiempo, son puro cine. La película ganó el Premio Especial del Festival de Cannes y su guión (de Fellini, Rossellini y Sergio Amidei) fue nominado al Oscar, dando pasaporte internacional al recién nacido ‘neorrealismo italiano’, pero esa es otra historia.

Gran Premio del Festival en Cannes 1946.

6. "Reality" de Matteo Garrone (2012)

por Gerard A. Cassadó.

Era difícil prever que, tras el éxito de ‘Gomorra’, aproximación casi científica a los métodos y mecanismos de la camorra napolitana, Matteo Garrone se lanzara al vacío hablando de algo (aparentemente) tan banal como el Gran Hermano. Pero en realidad las apariencias engañan, pues no hay nada de ligereza, y mucho menos de gracia, en esta oscura fábula de un hombre gris que vislumbra demasiado cerca la frontera que separa lo común de los extraordinario. Reflexión sobre la paranoia y los valores prefabricados de una sociedad que encumbra la mediocridad, ‘Reality’ sería el reverso oscuro del episodio de Benigni en ‘A Roma con Amor’ (Woody Allen, 2012), y aunque muchos han intuido a Fellini tras sus imágenes, la mala baba del film está más cerca del desenlace de ‘Ladrón de bicicletas’ (Vittorio De Sicca, 1948). Apabullante, por cierto, la grandilocuente puesta en escena de una película que derrocha medios para suplantar los automatismos de realización de ese popular reality show que sobrevuela la trama. ‘Reality’ es, en todos los sentidos, cine en mayúsculas.

Gran Premio del Jurado en Cannes 2012.

7. "Persépolis" de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (2007)

por Gabri Calzado.

Expresar la dureza de Irán en 1970, los abusos de poder y el comienzo de la Revolución Islámica usando dibujos animados. Ese es el verdadero logro de ‘Persepólis’ (Vincent Paronnaud), que antes consiguió Marjane Satrapi con el cómic original. Quizás el hecho de que sea una historia autobiográfica vivida por la propia Satrapi le aporta esa crudeza, esa realidad a la que el blanco y negro de sus dibujos se amolda como un áspero guante. La película adapta los cuatro tomos de la novela gráfica original con un perfecto tempo en los giros de guión, coincidiendo con la liberación de Satrapi y la devastación de su país. La película estuvo nominada a los Oscar y a los Globos de Oro a la Mejor Película de Animación.

Gran Premio del Jurado en Cannes 2007.

8. "Elephant" de Gus Van Sant (2003)

por Roger Salvans.

2003 fue el año del elefante. White Stripes se confirmaron como la enésima revolución analógica del rock en un mundo cada vez más digital y, a la vez, Gus Van Sant hizo saltar por los aires el palmarés del festival de Cannes con la más redonda, exigente y abierta de sus cintas. Buena parte de la crítica reunida en La Croissete recibió con estupor y asombro los premios a un film que crece con el paso del tiempo y que, desafortunadamente, sigue siendo una piedra rosetta que nos ayuda a descifrar el sinsentido de los interminables tiroteos USA. Construida a partir de largos plano secuencia de sinuosa e hipnótica cadencia (uno de los mejores trabajos del recientemente desaparecido Harris Savides, y eso es decir mucho), lo hiriente del elefante de Van Sant es que no da respuestas y elude gratificar al espectador rompiendo cualquier convención genérica: el clímax es inesperado, terrible, sin condena. Un cruce de caminos que termina mal y nos deja desorientados, sin la moralina ni la invitación a la acción de ‘Bowling for Columbine’ (Micheal Moore, 2002), precisamente por eso de una carga mucho más profunda e hiriente.

Ganadora de la Palma de Oro a la Mejor Película en Cannes 2003, Mejor Director para Gus Van Sant y Premio del Sistema Educativo Francés en ese mismo certamen.

9. "Mulholland Drive" de David Lynch (2001)

por Pere Vall.

En ‘Bus Stop’, Marilyn Monroe soñaba con llegar a Hollywood y triunfar por todo lo alto… En ‘Mulholland Drive’, otra rubia de aúpa, Naomi Watts, que sí ya ha llegado a Hollywood, aún no sabe si ha triunfado o no en la llamada Meca del Cine. Y es que, ¿en qué estado se halla su personaje? ¿En la realidad? ¿En un sueño? David Lynch nos hechiza con sus imágenes y su música, nos lleva de la mano (¡o más bien agarrados por el cuello!) hasta terrenos pantanosos de la mente, donde la voluntad es aniquilada por fuerzas del más allá, el deseo, lo fantástico, el lado, más que oscuro, tenebroso. ‘Mulholland Drive’ te asusta, te intranquiliza y te enfrenta a algunos miedos muy reconocibles.

Mejor Director en Cannes 2001.

10. "Rififí" de Jules Dassin (1955)

El padre de todos los films de atracos, de todos los golpes que al final, claro, salen mal. Una obra maestra parodiada, remakeada y homenajeada por doquier que es además un brillante ejemplo de cómo los accidentes de la Historia y de la política influyen en la Historia del cine: si el macartismo no hubiese puesto a Jules Dassin en su lista negra, el director norteamericano tal vez hubiera regresado a Hollywood tras rodar en Londres la no menos magistral ‘Noche en la ciudad’ (1950). Pero no, emprendió un largo periplo europeo que le llevaría a casarse con la griega Melina Mercouri y a ser el padre de un astro de la chanson. Un periplo cuya primera parada fue París, entregando ahí una auténtica joya que se considera como uno de los más grandes clásicos del polar, el noir francés. Más allá de la larga y célebre escena casi silente, el espectador reconocerá una atmósfera à la Melville y un anticipo de todo el cine negro moderno.

Mejor Director en Cannes 1955